Fotografía en estado de emergencia

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Espejo negro. Javier Salas

Hasta el día 13 de julio puede visitarse en el Tecla Sala de l’Hospitalet una muestra de arte en estado puro de emergencia, entre cuyas piezas podemos encontrar fotografías en diálogo con otros materiales, sea en la misma obra o sea en interacción con otros compañeros de estado, de viaje. Son piezas en pleno esfuerzo por salir de su encapsulamiento. Podríamos hablar de obras fotográficas que están a punto de dejar ver sus intimidades, en plena efervescencia, quebradas o a punto de dar un salto temporal en consonancia con su esencia propia de destello.

Josefina Hernando

Obra de Josefina Hernando

Dicen los organizadores que “el artista se mueve entre la necesidad de decir alguna cosa y la de no tener nada que decir”,  entre la necesidad de hacer emerger sus motivaciones personales y la dificultad, vaciedad o imposibilidad de expresarlas. Un tema de gran tensión, desde luego, que en el caso de la fotografía suma la recurrente presencia de una sombra, de una partícula en el ojo del fotógrafo que siempre acentúa la convivencia con un material incierto y pregnante. Y cuyos resultados deben asumirse con algún tipo de paracaídas.

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Obra de Ana María Barba

 

He cruzado ideas con los autores de algunas piezas, y me resultan sugerentes las formas en que se han ido desenvolviendo sus procesos. Dice Isabel Dulantzi que en su trabajo sobre el paisaje, primero se imaginó la naturaleza con “ese sentimiento que todos poseemos, inconcreto, de amor a la madre naturaleza. Mi sueño, antes de contemplar el paisaje, como suelen ser muchos sueños, eran onírico. Imaginaba paisajes oníricos. Sin una visión y una constatación de lo real, era un sentimiento genérico que luego fui concretando hasta encontrar el detalle”.

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Fragmento de obra de Isabel Dulantzi

“Quería experimentar con el movimiento y el agua que siempre corre, me lo permitió. Realicé varias series de fotografías con imágenes de bosques en su conjunto, con sus luces y sombras, con su claridad y su misterio, con toda la fuerza de su río y el movimiento de sus aguas, he querido mostrar un simple detalle, que por su simplicidad, creo que lo hace más grande. La calma y la pureza de una piedra, acunada por las aguas”.

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“Ella, la piedra, estática y dura, no le impide el paso, se deja envolver. El agua, en su continuo avance, acabará moldeándola con su eterna caricia. Si esto no es una forma de amor… Como dice Marie Bonaparte en relación a la naturaleza ‘una madre inmensamente ensanchada, eterna y proyectada en el infinito’. La bolsa es algo circunstancial que acompaña a la obra con sus formas onduladas. Es necesario perseguir esas imágenes que nacen en nosotros, que viven en nuestros sueños, esas imágenes cargadas de una materia onírica rica y densa que es un alimento inagotable para la imaginación material”.

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Obra de Isabel Dulantzi

Y así, la muestra fotográfica dentro de la “gran muestra emergente” va ocupando diferentes géneros y temáticas, como la que aparece en un primer impacto al entrar en la sala. La foto forma parte de la serie Venus como espejo, de Yelena de Belgrado, una serie de autorretratos en proceso todavía. Dice la autora que, originalmente, el texto/frase con el que empezó la obra expuesta era este: “Aunque mamá no estaba, la cocina era cálida y acogedora”.

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Venus como espejo. Yelena de Belgrado

Temáticas autobiográficas, invitaciones a compartir los estados de emergencia, como la de Javier Salas en otra referencia más al espejo: “Esta fotografía pertenece a una serie de fotos realizada dentro de mi trabajo diario en una fabrica. No hay una búsqueda, ni algo que encontrar en ella, sino experiencias vividas que, mediante la oscuridad, los cielos, los espacios desnudos y una fotografía casi imposible de realizar, intento contar o justificar. Esta obra pertenece a una serie de fotografías realizadas en espacios donde casi no cabe la fotografía, donde podemos casi decir que está prohibida”.

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Fragmento de Espejo negro. Javier Salas

Estas experiencias revelan, dice el artista, una emergente “falta de libertad. Aunque no sé si sería una denominación justa”, comenta. Sin embargo, no falta la referencia al mundo actual del trabajo, de la economía y el poder,  cuando Salas expresa: “Me faltó decirte que la bolsa la llené de grasa porque en mi trabajo diario fuera del artístico uso grasa industrial. Me pareció en sí poética una obra emergiendo de la grasa o tapada a medias por ella”.

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Espejo negro. Javier Salas

Tenemos en esta exposición, por tanto, una serie de piezas fotográficas a punto de emerger de sus estados de tensión, en algunos casos perdidas, desbordadas, y en otros a punto de estallar. Queda como corolario la reflexión por los tan repetidos requerimientos a la mutación, la transformación, la mutación, el mestizaje o el camuflaje de los vestidos.

Alain Boulerot

Obra de Alain Boulerot

 

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Eider Lisarri en (What) Eden? Incongruencias de la memoria. Casa Elizalde

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Al hilo de mi interés en la visita a (What) Eden? Incongruencias de la memoria, presente en la Casa Elizalde hasta el día 7 de febrero, he conversado con la fotógrafa Eider Lisarri y me ha ofrecido este interesante texto sobre su trabajo, que he editado e ilustrado con una selección de fotos de su apartado en esta interesante exposición a dos manos. Gracias por tu colaboración, Eider.

The Five Thieves

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Me gusta congelar ese momento en que la vida parece simple y pura, momento de ensueño que vacila entre la confianza y la melancolía. Vivo una nostalgia anticipada.

Somos carencia y búsqueda, y yo busco un reflejo de mí en los otros. Solo seremos nosotros mismos si somos capaces de ser otro, pues nuestra vida es nuestra y de los otros.

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Intento establecer un diálogo conmigo misma a través de mis imágenes, teniendo en cuenta que, cuando buscamos, no encontramos, porque nos mantenemos ocupados en el resultado que deseamos obtener, de conformidad con nuestros apegos.

Cuando solo observamos, sin buscar… entonces encontramos. Porque sin interferir, restablecemos nuestra natural sintonía con el infinito. Es la paradoja de la vida.

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Por eso quiero invitar a la observación de mis personajes y lugares, a apreciar la belleza que se encuentra en la naturaleza misma de la existencia momentánea, y quizás así, aprender un poco más sobre nosotros mismos.

Me pregunto cuál es el significado de la memoria y cómo la construimos, y si aceptamos el hecho de que estamos hechos por nuestros recuerdos. Pensar en cómo recordamos es pensar en quién somos.

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Somos a la vez cómplices e instigadores, provocadores de la creación. Creo que estamos aquí para percibir cada cosa, y que así, cada cosa sea vista. Entre todos, percibimos cada rincón y vivimos la compleja naturaleza de cada uno.  

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Creo que estamos aquí para hacernos conscientes de lo bello y poderoso que tenemos a nuestro alrededor y para apreciar y elogiar a los que están con nosotros. 

Presenciamos nuestra generación y nuestro tiempo. Observamos el tiempo.

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Las cosas se desarman, las estructuras se desintegran…, pero si creamos cosas, si pensamos nuevas combinaciones, contrarrestamos de alguna manera este flow de la entropía. Construimos nuevas estructuras, nuevas integridades, así el universo va quedando en equilibrio ante los continuos cambios.

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Fotografío personas con las que paso mi vida, personas que vi solo una vez. Personas que conocí por casualidad. Que me atraen solo por su apariencia. Personas que jamás volveré a ver, que jamás podré olvidar… Personas que me consuelan. Personas que me hacen sentir como en casa, que me sobrecogen. Lugares con los que sueño, antes siquiera de llegar a conocerlos. Lugares en los que me perdí y personas con las que me perdí.

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 Por imaginarios que puedan parecer, los lugares siempre son reales, como las personas… Algunos de los lugares que fotografié están a punto de desaparecer o ya lo han hecho. Sólo sobrevivirán en fotografías, o mejor: su memoria habrá de aferrarse a las imágenes que de ellos tengo. Algunos lugares me sobrevivirán y superarán cualquier rastro mío, y cuando ya no quede nadie para recordarme siquiera vagamente, estos lugares si lo harán. Los lugares tienen memoria, lo recuerdan todo. Eso me gusta.

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Por eso fotografío personas y lugares: No quiero darlos por supuesto. Quiero apremiarles a que no me olviden. Y crear memoria, la mía y la que a mí se refiere.

Texto y fotografías: Eider Lisarri

Edición: Tomás Caballero

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Próxima conferencia en torno a la exposición en Casa Elizalde

Com es creen les imatges a la memòria?

Dimecres 5 de febrer

Olvido (fotografías de Matt Emmett)

Matt Emmett. Pyestock. Celda de prueba de motores a reacción.

Matt Emmett. Celda de prueba de motores a reacción en Pyestock

El trabajo fotográfico del diseñador y espeleólogo Matt Emmett, de 41 años, de Reading (Berkshire), encara la imagen y el olvido producidos por el paso del tiempo. Su cámara de explorador urbano penetra en el interior de viejos edificios, espacios o lugares industriales olvidados o abandonados, en el Reino Unido y otros lugares de Europa. Vastos espacios, otrora esplendorosos o dominados por la épica industrial o urbanística, parecen hoy paisajes extraterrestres, vacíos, ruinas rendidas poco a poco al avance inexorable de la naturaleza persistente. Ahora silenciosos y apagados, antes llenos de sonido y movimiento, estos lugares resultan especialmente sensoriales para Emmett, encierran para él una fuente de belleza inmensa y poderosa. Todos ellos tienen sus propias historias que contar, historias claras y fuertes que salen a la luz cuando el carácter del edificio queda al descubierto o cuando es iluminado con los focos de un fotógrafo curioso.

Matt Emmett

Matt Emmett

Matt Emmett viaja regularmente en busca de grandes centrales eléctricas y torres de refrigeración, fábricas de acero, minas, búnkeres, túneles, escuelas, cocheras, hoteles, castillos y una miríada de otros edificios. Para algunas personas, pensar en lugares así es suficiente para intentar capturar su espíritu en imágenes, y dar a otros una imagen con la que saltar sus vallas y caminar a través de sus escombros y cascotes. Las advertencias de peligro sirven solo para abrir el apetito de estos nuevos fotógrafos urbanos exploradores, llamados por la promesa de las maravillas ocultas que pueden esconderse en esos lugares. Para aquellos que ignoran las advertencias, valen la pena los riesgos.

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Matt Emmett. Torre de refrigeración en la central IM

La obra de Emmett ha aparecido ya en exposiciones, en la prensa y en revistas del Reino Unido. Actualmente se muestra en una serie de exposiciones de su país. Las fotografías de Emmett incluyen pasillos de escuela, fábricas abandonadas y supuestamente en desuso, viejos almacenes, espacios que recuerdan la obra de Steve McCurry, por el contraste y la dureza de los colores que captan su atención. En la fotografía de Emmett parece como si viajáramos a lugares del pasado donde el tiempo se detuvo súbitamente y allí se mantuvo, encerrado en su abandono, unos espacios donde se aprecia, no obstante, el deterioro de las vestiduras y el óxido de sus materiales. Es lo que se observa en el viejo camión Mercedes «Liebherr» atrapado entre las hojas caídas en un cementerio de vehículos en Bélgica, o en la luz de un molino enclavado en un exuberante valle verde europeo, con habitaciones repletas de restos de las personas que vivían allí, o en cocinas de luz tenue pero increíble y corredores infinitos de escuelas francesas abandonadas.

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Matt Emmett. Viejo Mercedes Liebherr

Una de las series que más llaman mi atención es la dedicada a un viejo depósito cisterna subterráneo de la época victoriana, situado en alguna parte de Londres. La visión de inframundo de esta enorme cisterna inteligentemente iluminada se deja ver a través de todo un conjunto de arcos de ladrillo, ángulos de luz y sugerencias de eco. Las hileras de ladrillo de este lugar trazan líneas que se dispersan en todas las direcciones. Según comenta el fotógrafo, el eco de su voz tarda cuatro segundos en volver, signo del tamaño y el volumen de este depósito. La cúpula que corona el depósito no tiene plataforma ni vía de acceso a las ventanas, una forma que embellece la decoración de la estructura y hace entrar la luz desde su espectacular linterna.

Matt Emmett. Depósito de agua subterráneo en Londres

Matt Emmett. Depósito de agua subterráneo en Londres

Detalle del techo visto desde justo debajo de la lámpara del techo en una estación de bombeo victoriano.

Matt Emmett. Detalle del techo de una estación de bombeo victoriano

Otra de sus series más llamativas es la dedicada a los restos de la central termoeléctrica de carbón Battersea Power Station, construida en las riberas del Támesis en 1939 e inactiva desde 1983. La central era el mayor edificio de ladrillo de Europa, mundialmente conocido, como anécdota, por su aparición en portadas de discos como Animals, de Pink Floyd. Hasta la futura remodelación del espacio, que albergará un nuevo barrio londinense y tal vez una nueva central de biomasa, permanecerán en su interior indicadores, diales y viejos monitores en sus salas de control. De entre sus tesoros, destaca la impresionante sala de control Art decó del anexo construido en la década de 1930. En este lugar en que una vez zumbaba y silbaba con energía el vapor a presión, el silencio y el polvo dominan ahora las estancias.

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Matt Emmett. Sala de Control Art Decó en la Battersea Power Station de Londres.

Matt Emmett. Sala de Control Art Decó en la Battersea Power Station de Londres

Otra de las joyas de su galería nos sitúa en otra central eléctrica, en este caso belga, en la que encontramos fuertes paralelismos con la abstracción industrial de fotógrafos como Imogen Cunningham, en un proceso que parecería pasar, de la fotografía panorámica exterior de las industrias, al detalle de las estructuras geométricas del interior, característico de la fotografía participante contemporánea. Encontraríamos enloquecidas catedrales de tuberías, masas confusas de tubos despojados de la limpieza del blanco y negro, punteados de manchas de óxido, polvo y hollín, serpenteando a través de pronunciadas escaleras. Dominan los colores neutros y básicos de las pinturas originales de la central.

Imogen Cunningham. Shredded Wheat Factory 3, 1928

Imogen Cunningham. Shredded Wheat Factory 3, 1928

Matt Emmett. Central eléctrica IM

Matt Emmett. Detalle de tuberías en la central eléctrica IM

Matt Emmet admite que la escena más impresionante puede surgir en el edificio más deteriorado o en el ambiente industrial más agresivo. Podemos observar unas escaleras inundadas de luz mientras todo su entorno se desvanece rápidamente en la oscuridad, áreas de calzadas, carriles y escaleras de color de típicos marrones mohosos y amarillos de carteles de advertencia. En este mismo entorno y en este concepto abstracto sorprenden las enormes dimensiones de la torre de refrigeración de la central eléctrica belga IM Power Station, cerrada en 2007.

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Vista aérea de la central IM

Matt Emmett. Torre de refrigeración en la IM

Matt Emmett. Parte inferior de la torre de refrigeración en la IM

La mayoría de los lugares que Matt Emmett ha visitado serán finalmente demolidos y reconstruidos. Una de las más conocidas instalaciones del Reino Unido, objeto de artículos en los que se muestra el trabajo de Emmett, es la NGTE Pyestock, centro de pruebas y desarrollo de aplicaciones experimentales de motores a reacción.  Desde el comienzo de su demolición, a principios de 2013, queda ya muy poco de aquel centro abierto después de la Segunda Guerra Mundial en Fleet (Hampshire), y que desde 1950 hasta 2000 fue líder mundial en el diseño, desarrollo y prueba de motores de aviones militares de combate del Reino Unido, como los Harrier y los Tornado. En esta planta nacieron los motores Olympus del Concorde. Después de su cierre en 2000, la instalación quedó casi intacta, con los osarios de las enormes piezas de sus equipos industriales al aire. Matt lo expresaba así: «De pie en estos lugares vacíos y descompuestos se me despiertan fuertes respuestas emocionales […] Con sólo un poco de imaginación, se puede oír el rugido de la sala de turbinas […] En la toma de fotografías de lugares como estos, trato de capturar las emociones dentro de la trama –tal vez un uso anticuado e indulgente para con la fotografía hoy, pero me gusta muchísimo».

Célula 1. Pystock

Matt Emmett. Celula 1. Pyestock

Es difícil evitar una sensación de ciencia ficción milenarista con estas fotografías, como si estuvieras a punto de ser aspirado por el propio agujero de unas grandes máquinas a las que el tiempo les ha sometido finalmente a su juicio final, como si de pirámides de la época moderna y del progreso se tratara, como si toda una época se fuera por el vacío de sus turbinas vacías. Lugares como éstos dejan claro que todo el esfuerzo por impulsar el progreso de la sociedad a reacción tenía su caducidad, y que el resultado final es el osario de unas inmensas piezas por las que lo único que pasa es el tiempo, el olvido, el vacío.

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Lewis Hine, 1910

Es difícil no ver reflejadas las similitudes de este proceso con el de algunas fotografías de trabajo industrial de principios de siglo, como las de Lewis Hine, salvando la escala aritmética de las máquinas y el camino que todavía le quedaba por recorrer a la industria en la segunda mitad del siglo XX. Los grandes mastodontes del progreso, en su época de pleno rendimiento, necesitaban tal nivel de electricidad para activar sus turbinas a plena carga que las pruebas debían hacerse durante la noche, para no colapsar la red nacional. Las grandes maquinarias del carbón, como las del gas y la electricidad, se han parado, clausurado y abandonado al mismo ritmo que las plantillas de trabajadores que circularon por ellas, en el caso de Pyestock en un número que alcanzó las 1600 personas, y en muchos casos en la cúspide de su propio progreso.

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Matt Emmett. Juego de tuberías en Pyestock

Entre 1973 y 2000, la simulación informática hizo gradualmente imposible el coste de funcionamiento del viejo modelo de producción basado en estos mastodontes, sin atender de ninguna manera a las consecuencias laborales, sociales, medioambientales, urbanísticas e incluso económicas que conllevaban.  En 2009, el gobierno inglés aprobó un proyecto para construir en este espacio una enorme planta de distribución minorista para el sur de Inglaterra con el que no han podido competir quienes se oponían al proyecto. El juego sigue, y, mientras, como metáfora, no podemos evitar encontrar un cierto diálogo visual entre las estructuras que rigen los destinos económicos de la historia europea y el enterno retorno a la pregunta por el origen y el destino del mundo.

Quiero agradecer especialmente a Matt Emmett su invitación a comentar su trabajo fotográfico.

Referencias a la obra de Matt Emmett

Facebook. Forgotten Heritage Photography

Flickr photos Emmett

Los falsos recuerdos. Diego Tampanelli y Vicente Da Palma

Hay una larga arqueología antes de que la historia de la mímesis de la imagen desembocara en la imagen digital como su factura más perfecta, una larga historia que podríamos empezar con un martillo y un cincel sobre un mármol de Paros y que llega a través de la pintura sobre caballete, la imprenta y la fotografía a la imagen como mercancía en la que apremia otra economía en la representación: la imagen digital; reduciendo la imagen del mundo a una matriz mínima de elementos informativos, es capaz, sin embargo, de regenerar todo lo que se muestra a los ojos.

Pero la imagen digital sanciona ya como definitivo el gesto que aleja el objeto y el fenómeno perceptivo a través del que se representa. Para rescatar esa distancia del mundo invoca pérfidos juegos semánticos en los que la imagen significante pasa a sustituir como signo la experiencia de lo real y donde la pantalla se erige como el inconsciente de una retina personal y colectiva. La historia de la imagen es también la historia de la sombra que la atraviesa y la de la ausencia continuamente conjurada para dejar de ser fantasma.

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Los falsos recuerdos 100

Los últimos trabajos de Diego Tampanelli teatralizan esta dialéctica de la imagen. La factura de las imágenes y los medios que delatan descaradamente sus trabajos enmudece bajo la fragilidad de una ilusión sobrexpuesta; la presencia superlativa de las imágenes encierra el drama de un fantasma perdido en el claustro semántico de la realidad; la biografía ciñe temas y motivos, la imagen se rescribe en la tiniebla del recuerdo y rima en el silencio ahogado por la reencarnación de una ausencia.

Imágenes (Diego Tampanelli)

Texto (Vicente Da Palma Corchado)

Diego Tampanelli y Vicente Da Palma son artistas de TPK art i pensament contemporani

Observar y contemplar algo que no está presente…, ¿será el pasado lo que miras?, SR. MART

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No me gusta poner nombre a las fotos
                                                         El objeto como objeto
                                                                                               El objeto como acumulación
                                                          La pose como objeto
                                                                                                El objeto como pose
palabras para relaciones surgidas al reflexionar sobre la pose y el objeto.
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Estas imágenes están tratadas para acentuar en unas el objeto y en otras la pose. No necesariamente la pose es de un ser animado. Ni el objeto una cosa. También he jugado con los figurantes que miran casi todos fuera del plano. Mi intención ha sido conjugar varios elementos: la composición, el tono de las fotografías…. Y para que se vean irreales he suavizado los tonos, he quemado algunos blancos y he subido en algunas el contraste.
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Más allá del tiempo. Javier Salas

Aquí os ofrezco una de las primeras colaboraciones de artistas y fotógrafos que iremos presentando en este blog.

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Más allá del tiempo (Exposición “Miradas de ida y vuelta” – Museo de Bellas Artes, Viña del Mar, Chile).

En este tríptico extraje un mismo  encuadre donde realizar las fotografías de un espacio concreto en un momento determinado, pero colocando en él ciertos elementos escenográficos que me servían para facilitar la plasmación de la idea que quería transmitir con la imagen tal cual. (Javier Salas.)